Savoir observer = Le regard créatif : De la technique…A l’art ! 😀

Le regard créatif, pour le résumer rapidement, est la mise en pratique du triangle photographique en vue de construire une “bonne” photo.

En 2004, lorsque je publia la première version de cet exposé, j’étais en train de basculer progressivement de l’astrophotographie à la photographie. A cette époque, parler alors de créativité était plutôt osé en pleine période où il me devenait également nécessaire de justifier la concordance du nom de mon site “observation et imagerie” avec ma pratique photographique tout naissante. A ma grande surprise, malgré le côté très perfectible de cette première version, elle avait toutefois été un réel succès auprès de mes visiteurs et avait permis d’imposer sans résistance la prolongation du nom de mon portail avec mon insertion en photo traditionnelle.

Huit ans après, en 2012, au moment d’en écrire une version considérablement améliorée, ma pratique photographique s’est bien évidemment considérablement étoffée et cela, surtout depuis 2009, quand je me suis spécialisé en photographie du Pays de Bray. La photographie traditionnelle de sujets terrestres, bien que moins technique du point de vue du matériel utilisé et moins exigeante du point de vue de la qualité atmosphérique que l’imagerie astronomique, elle en reste pas moins une discipline imposant une véritable expérience et dont seule l’imagination impose les vraies limites.

Lorsque l’on vous apprend à maîtriser un véhicule, la principale règle que l’on vous demande d’appliquer, c’est que savoir conduire, c’est savoir regarder. Sachez que maîtriser la photographie passe par une seule et même règle, qui est identique : Savoir photographier un sujet, c’est savoir l’observer.

Il n’y a pas d’imagerie réussie sans un minimum d’observation. Le manque d’observation est l’erreur que l’on retrouve dans un bon nombre d’images d’amateurs. La majorité des amateurs utilisent la photographie comme un moyen de garder un semblant de souvenirs, en prenant des clichés un peu “au bonheur la chance”. Du temps de l’argentique, l’invention de l’appareil photo jetage avait indirectement démocratisé cette pratique de la photographie de grande consommation, sans ou avec très peu de recherche dans les cadrages. Je ne dénigre pas ce genre de produits qui possédaient malgré tout le principal avantage d’être très accessibles financièrement au plus grand nombre mais on ne peut pas nier ce nivellement par le bas observable. Avec le numérique, ce phénomène s’est encore accéléré car il est désormais possible de multiplier les essais et de mitrailler dans tous les sens, sans surcoût dû jadis à l’achat et au développement des consommables mais quant est-il finalement du potentiel créatif s’exprimant dans les photos produites ???

En ce sens, cette page se destine alors aux photographes amateurs se destinant à l’imagerie artistique. Pout tout photographe averti, lorsque le sens d’observer est perçu, il en découle la finalité de tout “bon” photographe : Le regard créatif. Dès lors que l’averti sait observer, il peut commencer à jouer et à composer avec l’espace, pour créer “sa” photo. C’est ce que nous allons voir ici…

Diagramme fonctionnel du regard créatif

J’ai réalisé ce diagramme pour vous résumer d’un seul coup d’oeil toute la créativité photographique pouvant découler du triangle photographique.

Les possibilités créatives sont nombreuses !

Des possibilités les plus habituelles aux plus atypiques, la créativité photographique est très vaste. Il me convient de cartographier l’espace courant d’expression de créativité photographique en citant les plus fréquemment usitées :

• Voir commence dans l’objectif
• Meubler les premiers plans
• L’ultra-grand-angulaire et ses déformations
• Régle des tiers
• Cadrages en contre-plongée ou en plongée
• Les ouvertures isolantes
• Les vitesses rapides pour figer l’action
• L’exposition lente et les filés
• Pose longue et trépied
• L’importance de la lumière

Voir commence dans l’objectif

L’aventure photographique commence au moment où l’on colle l’oeil au viseur de l’appareil :

• Que voyons-nous ?
• Que voulons-nous montrer ?
• Quel message voulons-nous faire passer à autrui à travers son image ?

Cadrer, ce n’est pas reproduire bêtement ce que nous voyons mais consiste plutôt à choisir ce que nous voulons montrer. Voir commence donc dans l’objectif car cette notion de choix de ce que nous voulons montrer introduit la possibilité d’exclure les éléments indésirables à la scène et de pouvoir choisir le message final véhiculable par la scène photographiée. Photographier, c’est savoir choisir en sachant observer ; Photographier est l’art de savoir mentir avec délicatesse.

Amusez-vous à vous accroupir très près du sol ou au contraire, à prendre de l’altitude par rapport à vos sujets et vous verrez que l’on peut enregistrer une scène de nombreuses manières différentes. Une seule scène peut être résumée en au moins 10 clichés très différents : C’est vous qui choisissez !!! 😀

Cadrer permet d’exclure les éléments indésirables

Ces trois images montrent le même sujet, photographié de 3 manières différentes. Les résultats sont sensiblement différents.

Le premier cliché A a été pris maladroitement en plein milieu de la ville de CALAIS. La photo contient un nombre important de sujets urbains disgracieux (panneaux, lampadaires,…). C’est une image banale qui convient parfaitement à un vacancier qui tient à revenir avec des souvenirs.

L’image B est le résultat d’une meilleure observation. Le photographe s’est avancé et a cadré le sujet de manière à le débarrasser au maximum des sujets disgracieux. Malheureusement, son cliché tronque l’arche de la tour et un lampadaire est visible, ainsi qu’un morceau des toits des demeures situées à proximité. De plus, cette impression de voir cette tour perdue dans un ciel totalement bleu rend l’image un peu fade…

L’image C est le résultat d’une observation avertie. Le photographe s’est placé dans l’angle opposé, a harmonisé le bleu important du ciel qui englobe la tour avec une branche d’arbre et a évincé les éléments disgracieux dont souffraient les deux précédentes images en cadrant serré. De plus, il s’est arrangé pour créer un triple effet de profondeur, en cadrant à la fois le phare de CALAIS, la tour et la branche d’arbre. En final, même l’arche qui était tronquée dans le cliché B est complète ! A noter qu’aucun des trois clichés n’a reçu de retouche photographique. Elles sont brutes de prise de vue.

Seul le cadrage a permis d’obtenir ces sensibles différences.

Cadrer conduit à des messages différents…

Une image en fonction de sa composition peut laisser transparaître des messages différents. Sur un même sujet, la variation du facteur de zoom peut suffire à modifier le message véhiculé par l’image. Il faut différencier deux types d’image : L’image narrative et l’image contemplative.

L’image A est une image narrative. C’est un gros plan de la célèbre statue de Rodin des bourgeois de CALAIS. Cette statue est historique et raconte un fait. La photographie d’êtres humains, d’animaux ou d’objets en action peuvent être des images narratives, chargées d’émettre et de transmettre un message, si celui-ci est fortement illustré. Une image narrative, pour avoir le maximum d’impact sera presque toujours exécutée en gros plan.

L’image B est une image narrative-contemplative. C’est une image mélangeant les deux genres. On a pris soin de photographier les bourgeois de CALAIS qui détiennent une histoire, de loin, avec un grand-angle et de les fondre dans un vaste décor fleuri, très agréable à l’oeil. L’image donne un impact contemplatif au sujet narratif. Ce sont en général les images les plus appréciées, à condition que le sujet narratif ne soit pas réduit au ridicule, par une focale trop courte.

L’image C est une image contemplative. C’est une image qui se doit de contenir un message apaisant. L’image contemplative est une image basée sur les jeux de lumière et de couleurs. C’est presque toujours l’image recherchée par l’amateur. Les photos de paysages sont des images contemplatives par excellence. C’est la raison pour laquelle les images panoramiques reçoivent un vif succès car elles ne sont faites que dans un seul et unique objectif : Plaire à l’oeil de celui qui les regarde. Les photos de nuages, de couchers et de levers de soleil, de couchers et de lever de lune, les arcs en ciel et tous leurs dérivés, sont autant de sujets compatibles avec l’imagerie contemplative.

Meubler les premiers plans

N’oubliez jamais qu’une personne regardant vos photos se doit d’être accompagnée implicitement comme un enfant, par la main. En ce sens, les premiers plans sont déterminants dans une image. Avec l’introduction d’un premier plan pré-dominant, vous obtiendrez des images fortes. Ne pas penser au premier plan, cela revient à l’inutile page blanche en plein milieu d’un livre que l’on remarque inconsciemment ou consciemment laissant le spectateur sur un sentiment de frustration. Enfin, une photographie est la reproduction du réel, spatial, sur une surface plane. En cela, le premier plan permet de transmettre une information de profondeur de la scène au spectateur. Il n’est toutefois pas toujours possible de trouver un premier plan à introduire dans l’image mais dès que ceci est possible, n’hésitez jamais à l’exploiter…Vos images en seront considérablement améliorées !! 😀 😉

L’ultra-grand-angulaire voire un fish-eye et ses déformations

Les objectifs ultra-grands-angulaires et fish-eye aux focales très courtes de 8, 10 à 20 mm permettent d’obtenir des déformations optiques très marquées sur les fuyantes. Je ne me lasse jamais d’utiliser le potentiel de mon SIGMA 10-20mm DC EX HSM et Fisheye NIKKOR 10,5 mm pour produire des images renforcées.

Essayez, vous serez très vite conquis !!! 😀

Règle des tiers

Centrer le sujet principal dans le cadre donne rarement une image intéressante sauf cas réellement exceptionnel s’il s’agit d’un cadrage particulièrement serré sur un détail. Vous obtiendrez en centrant, presque toujours une image statique, peu captivante. Une image se doit d’être au contraire dynamique.

La règle en photographie : Ne centrez jamais le sujet principal et déportez-le toujours en respectant la règle des tiers comme sur les images ci-dessus. Les 4 points forts d’une photographie se situent à l’intersection des 4 droites scindant l’image en 9 zones.

Cadrage en contre-plongée ou en plongée

Notamment en architecture, cadrer en contre-plongée ou en plongée permet de valoriser les volumes extérieurs ou intérieurs de monuments. Bien entendu, même si c’est dans ce domaine où j’ai trouvé nombreuses occasions d’exploiter ce type de cadrage créatif, on peut l’exploiter à d’autres fins.

L’imagination seule demeure la vraie limite.

Les ouvertures isolantes

Pour obtenir une image forte, ne jamais sous-estimer la puissance d’une ouverture isolante pour n’importe quel sujet (la flore ou le portrait dans ces exemples). En ouvrant fortement le diaphragme (les plus petites valeurs possibles par l’objectif utilisé jusqu’à f/8), vous obtiendrez une isolation du sujet principal par rapport à un avant-plan et/ou un arrière-plan délicieusement flou. Le dosage de l’intensité du flou découlant de l’ouverture choisie.

Voir aussi : Priorité à l’ouverture.

Les vitesses rapides pour figer l’action

Figer l’action suggère que l’on utilise des vitesses d’obturation très rapides.

L’usage de vitesses très élevées (1/500ème à 1/2000ème, voire plus) trouve tout son sens pour cristalliser en détail la chute d’un skieur comme la remarquable image de Pierre STEVENIN lors d’une édition du FreeRice World Tour Qualifier à Chamonix en 2009 ou saisir l’envol d’une mésange quittant son nid.

Voir aussi : Priorité à la vitesse.

L’exposition lente et les filés

On n’oublie trop souvent le pouvoir créatif de l’exposition délibérément lente.

Pourtant, en abaissant la vitesse d’obturation entre 1/60ème et une seconde de pose, il devient possible de produire de superbe filés ou de “peindre” avec la lumière en accompagnant le mouvement du sujet comme avec une caméra vidéo ou en transmettant des mouvements personnalisés à l’appareil pendant la pose.

La première image (celle de gauche) est un remarquable exemple de filé tandis que la seconde est l’excellente démonstration de “peinture” de mon mentor.

Pose longue et trépied

La pose longue avec l’appareil photo monté sur un trépied permet la photographie d’intérieur des monuments sombres, celle des scènes nocturnes ou bien encore de saisir des scènes astronomiques sans instrument comme la Lune, les conjonctions planétaires, des filés d’étoiles ou bien encore, les très rares comètes très brillantes. La pose longue dure de quelques secondes à quelques minutes selon la luminosité du sujet et l’effet final attendu…

Avec les appareils photo reflex numériques, pour éviter tout risque de bougé, il est possible de commander le début et la fin de la pose de plusieurs manières :

• Avec retardateur
• Avec une télécommande filaire ou infrarouge sans fil
• Avec une télécommande filaire ou infrarouge sans fil + retardateur
• Avec relévement du miroir ou pas

J’ai bien connu l’époque de l’argentique avec la comète Hale-Bopp dont le seul moyen de ne pas transmettre de vibrations parasites à l’appareil était d’utiliser un déclencheur souple.

L’importance de la lumière

En dehors de tout critère technique, il convient enfin dans l’équation créative d’une image de ne pas oublier l’importance de la lumière. Etre en possession d’une “belle” ou “bonne” lumière relève selon l’expérience du photographe du coup de chance ou de la patience.

Mon mentor Bryan F.Peterson a souvent pour habitude de juger la lumière en pleine journée de trop dure et que ce sera plutôt le moment pour lui de nous donner rendez-vous à la piscine ou la plage mais certainement pas un appareil à la main. Il se vérifie en effet que la “belle” lumière photographique est souvent celle, tôt le matin ou celle, tard le soir. Le matin, c’est la lumière froide ; Le soir, c’est la lumière chaude. De toute évidence, s’il fallait choisir, photographier le soir est vraiment la meilleure des périodes avec sa lumière dorée et chaude comme les quatre clichés en exemples. Les crépuscules sont des instants magiques.

Néanmoins, fort malheureusement, faire coïncider un bon sujet et la “bonne” lumière n’est pas toujours possible. Il se peut que votre sujet se présente en pleine journée sous un soleil dur et éclatant mais ce n’est pas autant qu’il faut négliger l’importance de la lumière. Pour la photographie en pleine journée sous le soleil, il existe un outil indispensable pour modérer la forte lumière du jour afin d’obtenir malgré tout de très bonnes images avec des couleurs chaudes. Cet outil est un filtre rotatif d’intensité réglable : Le filtre polarisant. Autrement, en pleine journée, ne jamais écarter l’intérêt artistique du brouillard ou d’un ciel encombré par de gros nuages juste avant la pluie ou juste après la pluie ; Autant d’occasions de produire l’image d’exception à partir d’une lumière particulière.

Conclusion

L’esprit et le regard créatif est vaste et offre à lui seul l’occasion de s’exprimer de mille et une manières.

La photographie est inépuisable, tant les cadrages sont multiples pour un seul et même sujet, tant les éclairages sont différents tout au long d’une journée et tout le long d’une année en fonction des saisons. La photographie, pratiquée assidûment, offre bien d’heureuses surprises…